Ein Anfängerleitfaden zum Erstellen von High-Bit-Pixel-Art-Charakterdesigns

Was ist Hi-Bit-Pixel-Art?

“Pixel-Kunst ist eine Form digitaler Kunst, die durch den Einsatz von Software erstellt wird, bei der Bilder auf Pixelebene bearbeitet werden. Die Ästhetik dieser Art von Grafiken kommt von 8-Bit-, 16-Bit- und 32-Bit-Computer- und Videospielen Konsolen, zusätzlich zu anderen eingeschränkten Systemen wie Grafikrechnern. Bei den meisten Pixelgrafiken ist die verwendete Farbpalette in ihrer Größe extrem begrenzt, wobei einige Pixelgrafikstile nur zwei Farben verwenden.”
Heute gelten diese Einschränkungen nicht. Dies liegt daran, dass moderne Computer und Videospielkonsolen im Handumdrehen Terabyte an Daten verarbeiten können. Das Ergebnis davon ist die Weiterentwicklung der Pixelkunst zu einer eher stilistischen Wahl als zu einer Anforderung, um der Leistung zu entsprechen.

Das Fehlen von Grenzen bedeutet jetzt, dass Sprites – normalerweise verwendet, um sich auf Pixel-Art-Bilder zu beziehen, die als Assets in Spielen verwendet werden – größer sein können, mehr Farbe haben und mehr Informationen gleichzeitig darstellen können. Im Laufe der Zeit hat sich eine Trennung zwischen dem alten Stil der Pixelkunst und dem moderneren Freiformstil herausgebildet, der in dieser Reihenfolge angemessen als traditionelle Pixelkunst und Hi-Bit-Pixelkunst bezeichnet wird.

Das heutige Design für Pixelkunst ist stark von Videospielen des Super Nintendo Entertainment System (SNES) inspiriert. Dies mag viele Gründe haben, aber der größte von ihnen scheint mir die Nostalgie zu sein, die bei Menschen hervorgerufen wird, die in den Neunzigern mit diesen Spielen aufgewachsen sind.

“Ich denke, jedes Pixel-Art-Spiel, das über die Grenzen der alten 8/16/32-Bit-Konsolen hinaus funktioniert, kann als Hi-Bit definiert werden.”
Dies bedeutet, dass, obwohl wir die Möglichkeit haben, alle Regeln aus dem Fenster zu werfen, der Reiz der Pixelkunst darin liegt, sich mit einem Publikum zu verbinden, das mit dem Konsum von Medien aufgewachsen ist, die größtenteils pixelig waren.

Als Künstler, der Pixelkunst verwenden möchte, um Charaktere und Assets für ein anstehendes Projekt zu entwerfen, kann diese Freiheit zu stilistischen Konflikten führen, die oft zwischen der Beibehaltung der Einschränkungen der SNES-Ära oder der Behandlung von Pixelkunst wie jeder anderen modernen Form von digitale Kunst, ohne Einschränkungen. Fragen wie:

• Wie viele Pixel können wir verwenden?
• Wie viele Farben werden wir verwenden?
• Wie erfolgt die Beschattung?
• Wollen wir Realismus oder Karikatur?
• Brauchen wir Konturen für unsere Sprites?

Kann kommen.

Meine Regeln für Hi-Bit Pixel Art

Im Allgemeinen kann ein Mangel an Regeln selbst erfahrene Künstler verblüffen. Daher wähle ich für Hi-Bit-Pixelgrafiken gerne einen vernünftigen Mittelpunkt. Ich kann dies tun, indem ich mir ein paar Grundregeln aufstelle:

• Keine Sprites oder Charaktergrafiken dürfen größer als 100 Pixel sein

Dies ist eine Regel, die Indie- und Solo-Entwickler und -Künstler befolgen sollten, insbesondere für animierte Pixel-Art-Designs. Große Pixel-Art-Größen können innerhalb eines angemessenen Zeitrahmens schwierig zu animieren sein, insbesondere als Ein- oder Zwei-Personen-Team. Wenn Sie realistische Größen für Ihre Sprites festlegen, sparen Sie Zeit beim Animieren von Charakteren sowie beim Neuzeichnen von Charakteren und Assets in Zukunft. 100 Pixel sind selbst für die ambitioniertesten Künstler viel Platz für beliebige Charakter-Sprites.

• Weniger ist mehr

Es ist wichtig, möglichst viele Informationen so einfach wie möglich darzustellen. Wenn Sie das Gefühl haben, dass ein Charakter nicht funktioniert, kann dies an einer Überrenderung liegen. Over-Rendering bedeutet einfach, zu viele Farben und Formen in einem Objekt zu verwenden, bis die Details vom Gesamtbild abgezogen werden. Elemente wie Schatten, Lichter, Glanzlichter, Schmutz, Kratzer und Risse können starke visuelle Warteschlangen sein, um eine Geschichte durch Ihre Kunst zu fördern, vorausgesetzt, sie werden in angemessenem Rahmen verwendet.

• Übertreibung bringt es auf den Punkt

Die begrenzte Pixelanzahl schränkt das Posing und die Animation ein. Anstatt das Sprite zu vergrößern, warum nicht etwas übertreiben, um den Punkt zu vermitteln? Verkleinern Sie das Sprite auf seine tatsächliche Bildschirmgröße, um zu sehen, ob die Pose/Aktion den Punkt vermittelt.

• Aufrechterhaltung der visuellen Konsistenz

Bei einer großen Sprite-Größe ist es schwierig, im gesamten Sprite das gleiche Maß an Liebe zum Detail beizubehalten. Es ist einfacher, Fehler wie inkonsistente Beleuchtungstechniken, inkonsistente Farbschemata (es sei denn, Sie verwenden eine Palette) und anatomische Fehler beim Erstellen von Charakteren zu machen. Seien Sie geduldig, machen Sie Pausen und drehen Sie Ihre Leinwand oft um, um Ihre Kunst aus einer anderen Perspektive zu betrachten. Auf diese Weise können Sie Ihre Fehler frühzeitig erkennen und die Konsistenz beibehalten.

Wie man Hi-Bit-Pixel-Art-Charaktere entwirft.

Da wir nun einige Regeln für das Design von Hi-Bit-Pixel-Art haben, sehen wir uns an, wie wir einen originellen Charakter erstellen können, indem wir die Regeln verwenden, die wir für uns selbst festgelegt haben, um unsere Entscheidungen beim Zeichnen zu leiten. Ich arbeite derzeit an einem Spiel mit Tieren als meinen Charakteren. Ich möchte, dass die Tiere süß sind und Farben haben, die kontrastieren und knallen. Ich möchte Informationen durch die Farben ihrer Kleidung, ihre Spezies, ihre Persönlichkeit usw.

1. Auswahl der richtigen Referenz

Referenzen für Kunst sind wie eine Wiederholung vor einer Prüfung. Sie bestimmen die künstlerische Auswahl, Konzepte, Farben und Grenzen unserer Arbeit. Das ist einfach, denn hier definieren sich meine Referenzen. Bilder von Tieren in Zoos aus dem Internet oder Ihrer Telefongalerie wären ein guter Anfang. Noch wichtiger ist, dass mir Kunst, die dieselben Themen oder Stile hat, dabei hilft, mir meine Vision klarer vorzustellen. Zum Beispiel würde mein Referenzboard Spiele wie Ratchet & Clank und Crash Bandicoot, beliebte Filme wie Zootopia, Life of Pets und Madagascar enthalten. Alle diese Quellen entsprechen einer stilisierten Welt mit Tiermotiven mit mehreren Charakteren und Designideen.

2. Erstellen einer starken, erkennbaren Silhouette

Jedes gute Design beginnt damit, eine einfache, starke Silhouette für Ihren Charakter zu finden. Dies würde bedeuten, die Details Ihres Charakters festzunageln. Sind sie menschlich? Sind sie männlich oder weiblich? Stark oder schwach? Intelligent? Was ist ihre Rolle? Dies sollte Ihnen helfen, Ihre Entscheidungen zu treffen, z. B. die Proportionen der Figur, ihre Grundformen und ihr Zubehör.

Für das folgende Beispiel lautete meine Basisbeschreibung:

“Ein neutraler Charakter, der sympathisch und ausdrucksstark sein sollte, um positiv/negativ auf Spieleraktionen zu reagieren. Der Charakter wird rennen, springen und rutschen, muss also fit und schlank sein. Muss stilisiert und süß sein, sollen aber so aussehen, als wären sie in der High School.”

Damit habe ich die Statur, Stimmung und Zusammensetzung unseres Charakters skizziert. Wenn das erledigt ist, kann ich damit beginnen, die Silhouette für diesen Charakter auszublenden.

Dieser Teil ist der Bildhauerei sehr ähnlich. Ich beginne immer mit einer Farbe, die am weitesten von dem entfernt ist, was meiner Meinung nach der endgültige Charakter sein wird. Dies soll auf die Form des Charakters konzentriert bleiben. Dies kann einige Zeit dauern, da Sie die primären Formen finden, die das Aussehen und den Stil Ihres Charakters bestimmen. Ich finde es nützlich, sich auf glückliche Fehler einzulassen, die zu angenehmen und überraschenden Ergebnissen führen können.

Sie wissen, dass Sie genug getan haben, wenn Sie sehen, dass die Silhouette die richtigen Proportionen für Ihren Charakter darstellt. Die Charakterproportionen entsprechen in diesem Fall nicht der normalen menschlichen Anatomie. Dieser Charakter hat übergroße Füße und einen wirklich großen Kopf, fühlt sich aber trotzdem natürlich an, was eine gute Balance ist, wenn man versucht, Cartoons und Karikaturen zu zeichnen.

In diesem Fall habe ich versucht, den Mund, die Kopfform und die Ohren der Figur zu verwenden, um ihre Silhouette einzigartig zu machen. Sie werden feststellen, dass dies möglicherweise nicht die endgültige Form für Ihre Silhouette ist. Obwohl ich damit angefangen habe, hatte ich später das Gefühl, dass es zu steif war und mir die Kraft und das Selbstvertrauen fehlten, die ich in diesem Charakter zu zeigen hoffte.

3. Definieren von Volumen durch Verschieben von Wert

Das Volumen eines Charakters bestimmt, wie seine Form gewesen wäre, wenn er in 3D dargestellt worden wäre. Die Aufgabe hier besteht darin, den Wert zu verwenden, um die Form einer 2D-Form in 3D darzustellen, indem definiert wird, wie dieses Objekt mit Licht und Schatten interagiert. Beispielsweise:

Das obige Beispiel hat die Silhouette, an der wir im vorherigen Abschnitt gearbeitet haben, in ein volumetrisches Objekt umgewandelt, von dem wir glauben können, dass es mehr als eine Dimension hat. Das bedeutet, dass wir erkennen können, welche Punkte unseres Charakters uns näher oder weiter, runder oder flacher liegen. An dieser Stelle ist eine Neubewertung der Charakterproportionen angebracht. Wir können auch anfangen, über das Outfit des Charakters nachzudenken. Tragen sie eine Lederjacke oder ein T-Shirt? Diese Entscheidung kann durch die Charakterbeschreibung getroffen werden, die Sie vor Beginn dieser Zeichnung festgelegt haben.

Dies wird uns helfen, unseren Charakter aus einer detaillierteren Perspektive zu betrachten und zu sehen, ob die in der Silhouette definierte Pose noch weiter in der Zeichnung Bestand hat.

Die Werte, die ich zum Definieren meines Volumens gewählt habe, sind die Farben, die vor und nach meiner aktuellen Farbe in meiner Palette vorkommen. Daher achte ich darauf, eine Farbe zu verwenden, die im Farbbereich für die von mir verwendete Palette zentral ist. Wenn Sie bereits die dunkelste/hellste Farbe verwenden, können Sie in Ihrem Farbwähler in der Software Ihrer Wahl ein neues Farbfeld erstellen.

Ich finde, die Arbeit in Monochrom hindert mich daran, vorzeitig die Entscheidung zu treffen, welche Farben verwendet werden sollen, bevor die endgültige Form definiert ist.

4. Farbe

Farbe kann ein kompliziertes Thema sein, aber es kann stark vereinfacht werden, indem man Online-Plattformen zur Palettenerstellung wie Adobe Color, Coolors und Cowspec nutzt, um nur einige zu nennen. Darüber hinaus enthält Aseprite, das ich verwende (und empfehle), eine Reihe von Paletten, die für Anfänger mit Pixelgrafiken nützlich sein können.

Das Verständnis von Farbe und ihrer Interaktion mit natürlichem Licht kann eine großartige Fähigkeit sein, Ihre Pixelkunst zu verbessern. Die Fähigkeit, komplementäre Farben in einer Palette zu identifizieren, kann Ihnen bei der Entscheidung helfen, wie Charaktere möglicherweise aussehen können. So kann beispielsweise die Darstellung von Haut bei höheren Auflösungen kompliziert sein, bei Pixelgrafiken kann dies jedoch auf nur zwei Farben reduziert werden. Hi-Bit-Pixel-Art zielt darauf ab, die beiden Stile zu verbinden, bei denen wir eine begrenzte Anzahl von Farben verwenden, um unsere Neutral-, Glanz- und Schattenwerte darzustellen. Einige Stile können zwei weitere Werte für Knitterfalten und Randlicht hinzufügen.

Beginnen Sie mit der Definition neutraler Werte, um den Rest der Farben zu beeinflussen. Beispielsweise:

Das obige Bild zeigt, dass 4 Farben für das Gesicht verwendet wurden. Sie stimmen möglicherweise nicht mit der Realität überein, aber sie sind nah genug, um die Botschaft zu vermitteln. Die Lippe ist ein herausragendes Merkmal für diesen Charakter, den ich im vorherigen Schritt hinzugefügt habe, als solcher. Es funktioniert, damit es groß und hell ist, ohne dass es unbedingt zu viel Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Stellen Sie sicher, dass die Farben für jeden Abschnitt kontrastreich genug sind, um die Unterschiede zwischen den einzelnen visuellen Orientierungspunkten im Design sofort zu erkennen. Die Schuhe deines Charakters sollten auf den ersten Blick sofort von den Beinen deines Charakters zu unterscheiden sein.

5. Details mit Lichtern und Schatten

Zu diesem Zeitpunkt sind wir mit der Zeichnung mehr oder weniger fertig. Um jedoch eine höhere Detailgenauigkeit in unseren Zeichnungen zu erreichen, können wir der Kleidung und dem Gesicht der Figur Details hinzufügen, je nachdem, wie diese verschiedenen Oberflächen mit dem Licht interagieren.

Der erste Schritt zur richtigen Detaillierung besteht darin, zu entscheiden, woher Ihr Licht kommt. Eine Lichtquelle hilft dabei, jederzeit konsistente Schatten zu erhalten. Es ist zwar nicht notwendig, eine sichtbare Lichtquelle in Ihrer Zeichnung zu haben, aber die Markierung der Lichtrichtung auf Ihrer Leinwand kann als Erinnerung dienen, um Ihnen zu helfen, konsistent zu bleiben.

Als nächstes können wir mit Schatten und Lichtern die dunkleren und helleren Teile unserer Zeichnung definieren, um das Gefühl von Tiefe wirklich zu betonen. Schatten können auf viele Arten gemacht werden und verdienen wirklich eine eigene Diskussion. Im folgenden Beispiel habe ich mich jedoch für die Verwendung von Dithering entschieden, um dieses Gefühl von verblassendem Licht und Schatten in gekrümmten Oberflächen zu zeigen.

Mit leuchtenden Farben wie Gelb- und Grüntönen kann das Definieren von Accessoires für Ihre Charaktere ihre Persönlichkeit und ihre Individualität wirklich verbessern. Ketten und Ohren können Selbstvertrauen und Prahlerei in einem Charakter zeigen. Dies kann auch durch die Wahl der Frisuren erfolgen, einschließlich der Gesichtsbehaarung.

Fazit

In dieser Diskussion haben wir Folgendes behandelt:

• Was ist Hi-Bit-Pixel-Kunst?
• Regeln, die die Größe und das Detail der Kunst einschränken.
• Der Prozess zum Erstellen Ihres ersten Hi-Bit-Pixel-Art-Charakters.

Das Schöne an diesem Prozess ist, dass er auch bei verschiedenen Zeichen Konsistenz ermöglicht, die immer wieder wiederholt werden können. während eines gesamten Projekts, unabhängig davon, für welchen Stil Sie sich entschieden haben.